Et cette fois-ci c’est le célèbre studio Production I.G qui est aux commandes avec Toshihisa Kaiya en tant que réalisateur. Né en 1967, il commence sa carrière dans le studio Asia-Do en tant qu’intervalliste, avant de devenir animateur clé sur la série Moeru ! Oniisan puis directeur de l’animation en 93 sur Miracle Girls. Il devient ensuite freelance et travaillera pas mal en tant qu’animateur clé (sur Mind Game par exemple), mais essentiellement chez Production I.G sur notamment Jin-Roh, Ghost in the Shell ainsi que IGPX où il sera directeur de l’animation mais s’occupera aussi du chara-design. Il faut comprendre que le producteur de IGPX, Hidezaku Terakawa, est la personne qui lui a proposé le poste dans la série, et qui se retrouve être le producteur pour Wasurenagumo. La relation entre les deux personnes semble être assez forte et il est fort à parier que Toshihisa Kaiya travaillera de nouveau au sein du studio I.G, sûrement en tant que réalisateur.

Un libraire trouve un ancien livre narrant comment un prêtre a réussi à repousser l’attaque d’un monstre à la forme d’araignée. Suzuri, jeune lycéenne et proche du libraire ouvre le livre et brise le sceau, libérant ainsi une jeune fille mi humaine, mi araignée. Il est alors question de comprendre ce qu’elle est et ce qu’ils doivent faire d’elle.

Toshihisa Kaiya est un féru d’histoire d’horreur et la création de cet épisode aurait démarré à partir d’une simple illustration tirée d’un doujin. Le personnage dessiné était une princesse mi humaine mi insecte. Si dans l’épisode on parle d’un personnage aux pattes d’araignée, le personnage de base possédait la morphologie d’un cafard. Cependant, il semble que le producteur ait réussi à faire changer d’avis Toshihisa Kaiya. L’idée suivante fut de lui donner un air mignon couplé à sa partie animale, ce travail fut confier au character designer Hideki Takahashi. L’aspect important de la série, du moins pour le réalisateur, semble être vraiment autour de ce personnage où le travail de Takahashi a été prédominant. Il fallait qu’il semble à la fois dangereux mais aussi mignon, amicale. Il est vrai que l’ambiguïté est assez présente au final dans l’épisode, bien que l’on s’imagine assez bien ce qu’il en ressort.

Visuellement le travail réalisé est d’assez bonne facture, bien que la première et la seconde moitié ne soient pas du même ressort. La seconde moitié de l’épisode possède une ambiance plus sombre et une animation plus peaufinée, certaines séquences sont même très bien foutues et mériteraient de paraître dans une sakuga MAD. Le qualité de la réalisation vient aussi de certains plans, notamment avec des cadrages inhabituels (par exemple avec une vue en contre plongée). Certains décors sont aussi travaillés bien que le travail ne soit pas du niveau de Buta par exemple.

Sur le fond on passe un bon moment, le court est bien géré et bien que comme tous les épisodes uniques du genre, le réalisateur ne peut  pas développer comme on le voudrait les personnages, on apprécie assez bien les différents protagonistes. Comme dit avant, le travail semble s’être focalisé plus spécialement sur la petite fille, mais j’ai bien plus apprécié Suzuri qui dégage une vraie sincérité.

Le dénouement est aussi important et c’est assez intéressant de voir que le réalisateur a voulu donner un véritable sens à chaque point de son épisode et surprendre le spectateur, ce qui est une très bonne chose pour un projet comme celui-ci. Ce serait sympa de voir si Toshihisa Kaiya arriverait à faire de même pour une série entière où son effet serait ainsi décuplé. Le mélange moderne/fantaisie est aussi intéressant, il aurait (mais sur le coup je ne suis pas sûr) puiser dans des contes de Toriyama Sekien et plus particulièrement dans Cortège nocturne des cents démons.

Au final c’est une assez bonne surprise, j’en attendais pas mal de ce réalisateur et de ce que pouvait apporter le studio à celui-ci et le résultat n’est pas trop mal. Ce second épisode peut sembler trop classique pour certains mais je trouve qu’il est d’un niveau très correct et ne fera pas défaut face aux autres productions, du moins à Buta.

Comme je sais que la majorité de mon lectorat (et vous êtes des milliers) parle japonais, il semble que les réalisateurs de cette saison du projet est fait une conférence à Okinawa, et qui est disponible sur Ustream (le réalisateur de Wasurenagumo est le deuxième en partant de la gauche il me semble). Une interview en japonais de Toshihisa Kaiya concernant ce court est aussi disponible sur le site du studio Production I.G, avec quelques storyboard et images de production.

Sources : La page associée sur IG Prod. – L’interview de Toshihisa Kaiya après IGPX sur productionig.com – Sakugawiki – ANN

Encore une question que je pose sans avoir la réponse. Récemment, on a vu la propagation de la musique pop coréenne (abrégée K-pop) en occident, prenant la place de la J-pop et de son Visual Kei vieillissant. Du coup la Corée du Sud semble avoir les yeux plein d’étoiles et a le droit de voir grand, observant bien comment son homologue orientale en a tiré profit. Longtemps et toujours considéré comme un site de sous-traitance d’animation (et pas que d’animation d’ailleurs) japonaise et américaine, l’animation et les productions 100% coréennes sont très discrètes et se comptent sur les doigts d’une main. Quelques long-métrages ont pourtant réussi à avoir un peu d’éclat, citons par exemple Wonderful Days réalisé par Kim Moon-Saeng mais qui reste cependant assez calqué aux productions japonaise (rythme lent, surtout posé sur une ambiance), ou alors Aachi & Ssipak de Jo Beom-jin, qui lui est carrément indéfinissable (image du haut).

 La première question reste à savoir si le gouvernement coréen va profiter de l’exposition de sa musique pour faire émerger un pôle plus important dans l’animation, car faire un animé en Corée du Sud n’a rien de facile pour le moment, du moins d’après les dires de Jo Beom-jin (les bonus DVD sont d’ailleurs pas mal, c’était vraiment une équipe presque amateur) – la production de son film a été arrêté plusieurs fois pour cause budgétaire. Rien n’est moins sûr, tant le secteur est sous-développé pour le moment. Surtout qu’à l’instar de cette vague de fan du Japon, qui aimait J-pop et manga, cette nouvelle génération semble plus se retrouver dans les dramas, où les idoles des labels musicaux y sont portés de manière presque automatique.

Comme question subsidiaire, il est intéressant de s’imaginer sur la direction artistique de cette hypothétique vague d’animateurs coréens. Les quelques productions semblent prendre leurs racines dans l’animation japonaise qui semble avoir essentiellement nourri les amateurs coréens d’animation, cependant ses artistes cherchent aussi à se différencier de l’animation japonaise. La même chose en différent pourrait être le mot d’ordre. Entre tradition et modernité ? (bon ok, elle était facile celle-ci). Si c’était le cas, je trouve que cela pourrait-être très intéressant pour le monde de l’animation, et pourrait donner du renouveau à une animation orientale trop souvent identifiée à certains critères. Quelques structures telle que la SICAF tendent aussi à faire émerger des talents, bien que le festival est plus représenté par de l’animation japonaise et occidental que par celle de son pays d’accueil.

Il ne reste plus qu’à savoir si cela relève vraiment du rêve ou si il y a une réelle possibilité. En attendant il me semble indispensable pour que cela réussisse que des efforts soient fait rapidement, si le fan occidental a tendance à apprécier les sub-cultures qui se joignent (donnant la réflexion stupide qu’un amateur de manga est forcément admiratif de l’archipel en général), il serait dommage que le soufflet se dégonfle avant que rien ne soit vraiment fait. En attendant je ne peux que vous conseiller de vous intéresser un peu à l’animation coréenne, dont voici quelques courts (quelques un ont été diffusés au centre Pompidou la semaine dernière), par forcément très représentatif pour autant :

• Africa a.F.r.I.c.A de Tae-ho Han – Très bonne surprise pour ma part
• Keep drawing d’Ha Juan – Court sympathoche
• Mari Iyagi de Lee Sung-Gang – Trailer d’un film qui semble intéressant
• Run Run Run de Choi Young-hoon et Lee Kyu-tae – Court dynamique que j’aime pas mal
• Heart directed by Erick Oh

Rappelons aussi que AAchi & Ssipak et Wonderful Days ont été édités en France pour ceux que ça pourrait intéresser.

Le studio 4°C reste toujours ce studio à part qui fait parfois des trucs hyper cools, et qui nous habitue à la production de courts réalisés en laissant roue libre à des artistes. Et bien Sweat Punch, c’est exactement ça. Il semble que le nom du rassemblement de ces courts fut à la base Deep Imagination, correspondant au nom d’une soirée cinématographique sur Shibuya passant les courts en question, puis qu’il soit passé ensuite au nom de Sweat Punch. Néanmoins c’est assez étrange, étant donné que le DVD japonais garde le titre de Deep Imagination. L’ensemble des courts mise à part Garakuta no Machi ont aussi été distribué auparavant dans le dvd Grasshoppa.

Les titres dans l’ordre de l’image (de haut en bas, gauche à droite) :

• Pr. Dan Petory’s Blues de Hidekazu Ohara.
• Garakuta no Machi de Nobutaka Ito.
• Comedy de Kazuto Nakazawa.
• Higan de Yasushi Muraki.
• End Of The World d’Osamu Kobayashi.

Chaque court fait environ une dizaine de minute et est parfaitement dissociable, à la fois dans le thème mais aussi dans les techniques utilisée pour leur réalisation. Inutile de chercher un sens entre les différentes productions, il n’y en a pas. De toute manière, même quand les projets tournent autour d’une même thème générateur, on voit souvent difficilement le lien (rappelons que l’omnibus Genius Party du même studio avec comme sujet l’énergie, allez trouver cette idée dans certains épisodes). Ces différents courts n’ont d’intérêt que de lâcher les réalisateurs et les laisser libre court à leur imagination et à leurs envies.

Dans ce sens, l’objectif est atteint. Pr. Dan est un délire sans queue ni tête où l’épisode est réalisé à partir de plusieurs techniques d’animation différentes, mixer ensemble dans un mélange assez étrange, rappelant un peu ce qui a été réalisé dans Mind Game. Le studio 4°C semble avoir la chance de pouvoir favoriser toute sorte de compétences et de techniques chez ses employés, permettant une telle opération. Toute comme l’animation, le scénario est une suite plutôt illogique de plans, où le réalisateur tente de nous faire comprendre pourquoi les aliens ne volent pas droit. Le premier plan fixe, où la caméra ne bouge pas de position (rappelant au passage un épisode de P&S) est plutôt bien fait, montrant un décalage à la fois dans l’animation que dans l’ambiance avec la suite. Dans son ensemble, c’est typiquement le genre de truc que je trouve cool à voir dans un petit court comme celui-ci.

Garakuta no Machi pourrait être le pilote d’un futur Denno Coil, avec la découverte d’un robot étrange par un jeune garçon. L’animation est plutôt bonne bien qu’assez conventionnelle, ça pourrait être très bien un épisode que l’on trouverait dans un animé normal (bien qu’évidemment la progression est très rapide ici). Cependant bien que l’on passe un assez bon moment, je n’ai pas trouvé ça très incroyable.

Comedy possède la direction artistique peut-être la plus appuyée, si le court de Kobayashi et celui de Hidekazu utilisent des couleurs vives un peu partout et une animation dynamique, celui-ci possède un ton bien plus pesant. Le but semble d’avantage être l’immersion qu’une démo purement visuelle. Sous un fond assez sombre, les personnages sont eux complètement illuminés, blancs, de manière exagérée. Dans une ambiance médiéval fantastique et avec un Ave Maria chanté de manière continuelle, on suit l’aventure d’une jeune fille demandant l’aide d’un étrange chevalier durant la guerre d’indépendance de l’Irlande. Le rendu est plutôt bon, bien que je ne sois pas vraiment fan du résultat d’un point de vue subjectif.

Higan semble naître d’une simple volonté de faire une séquence de combat avec du réal robot sans se poser d’autres questions. Bien que l’ensemble n’apporte pas grande chose sur le fond, j’ai trouvé l’animation vraiment bonne. De plus j’aime beaucoup le genre mecha sous cette forme, avec des véhicules s’inscrivant dans un délire mi-contemporain/mi-futuriste où les mechas combattent aussi des véhicules blindés réalistes. Il semble que le réalisateur se soit parfaitement inscrit dans cette démarche, l’ambiance est froide au possible, de plus j’ai vraiment eu l’impression que chaque mouvement était étudié, le travail sur le story-board a dû être particulièrement bien étudié.

End of the World est le court de Kobayashi ajouté par la suite. Beaucoup plus dans le délire de Pr. Dan, on commence dès le départ avec une ambiance très colorée et une touche très personnelle, notamment dans le chara design. Dans un cadre à la fois décalé et assez adulte, la production mélange animation traditionnelle et CG de manière bien contrastée. Il paraît que c’est assez habituel chez Kobayashi (il a aussi réalisé Table and Fishman que je n’ai pas vu). Le rendu est vraiment particulier, tant sur la forme que sur le fond. C’est une production que j’ai vraiment apprécié à regarder, le réalisateur semble jouer essentiellement sur les contraste et sur l’envie de surprendre le spectateur. Ça donne assez envie de voir ce qu’il a fait d’autres, où de le voir bosser sur un projet plus conséquent.

Pour plus de screenshots, passez sur le fansite de Kobayashi de Tsuka.

Après une pollution ayant détruit toute atmosphère viable sur la planète S-1, rendant la mer rouge et forçant les habitants à se réfugier dans une bulle géante, la junte militaire prend les rennes dans le but d’envahir une autre planète. Marin, voyant son père se faire tuer sous ses yeux lors du putsch, évite de peu de se faire assassiner avant de s’enfuir. Son vaisseau est alors atteint d’une mystérieuse avarie le faisant s’écraser près de la Terre. Prisonnier, il sera tout d’abord méprisé, puis devra faire le choix entre renier les habitants de sa planète d’origine ou protéger la Terre qui possède l’environnement dont il a toujours rêvé. Lui seul ayant les clés pour pouvoir se battre contre les militaires de la planète S-1, grâce au Baldios, robot géant pouvant entrer dans le sub-espace.

A première vue, la série pourrait s’apparenter à du mecha pur et simple, surtout que comme pas mal de série du genre, il y a eu un tas de marchandising avec des figurines de robots. Pourtant dans notre cas (dû moins pour le film), cette composante est fortement atténuée, voir presque omise tant on voit au final que peu de combats engageant Baldios. Non, ce qui va faire la force vive du film reste essentiellement les personnages et la thématique du pouvoir. Tout comme avec Ideon, le film va faire l’apologie de l’absurdité de la guerre. On touche aussi au climat et à la psychologie de groupe qui agit dans ce genre de moment, à la fierté absurde de certains humains, à la confrontation entre amour et haine, devoir et sentiment, et encore quelques autres sujets tout aussi jouissifs.

Il est tout d’abord intéressant de voir le travail apporté pour décrire un régime militaire fasciste, à grand coup d’allusion au nazisme. Cette société dirigée par la force n’autorise pas l’échec avec notamment une sélection à la kalachnikov, quelque chose d’assez semblable à ce que l’on a pu observer durant la seconde guerre mondiale où il valait parfois mieux se faire tuer sur le champs de bataille plutôt que de rentrer vaincu. Il y a donc une forte notion d’honneur et de supériorité de race, les habitants de la planète S-1 sont persuadés d’avoir le droit de tuer toute une civilisation pour une planète. D’ailleurs je ne sais pas si c’est abordé dans la série, mais c’est dommage de voir que toute la population de la défunte planète suit le mouvement comme des moutons. Bien qu’on se retrouve face à une sorte de manichéisme assez fort (ouh, méchant nazi), les humains ne sont pas en rades non plus, en utilisant Marin comme bon leur semble.

Les deux personnages principaux sont assez intéressants et méritent le détour. Déjà avec Marin dans son devoir de faire le choix entre patrie et idéalisme. Mais aussi avec le personnage de Aphrodia, commandeur de l’armée de la planète S-1, qui se déchire en deux entre amour et haine. Le personnage d’Aphrodia est plutôt bon dans le sens où elle fait aussi office de prisme dans les thématiques du film. A la fois complètement ancrée dans le système militaire, elle semble le désapprouver au bout d’un moment, mais elle est aussi le reflet de la haine qui est engendrée par la situation et qui semble pourtant à l’opposé de ses sentiments les plus profonds. On pourrait aussi dialoguer sur la dualité de sa personnalité, représentée de manière très bien pensée par sa tenu vestimentaire. Mais bon. Les autres personnages sont par contre le plus souvent des coquilles assez vides, sûrement plus creusés dans la série TV. Il y a notamment les Marin-scéptique (du genre à dire toutes les 2 minutes qu’il les a trahis), l’humaine qui tombe amoureuse du héros, le gentil directeur, la scientifique qui comprend tout. La réalisation s’attardant surtout sur les héros et les groupes dans leur ensemble.

Ce qui est aussi sympathique, c’est que le film réserve quelques surprises plus ou moins bien posées, jouant un peu avec le public. Tout comme avec Ideon, le rythme rapide imposé dans le but de résumer avant tout la série TV donne à la fois la chance de ne pas s’ennuyer, mais aussi le malheur de ne pas pouvoir s’attacher à certains éléments de l’histoire et à certains personnages. Sur le coup, Baldios est aussi une aventure épique, mais l’animation un peu vieille rend la chose assez terne à l’heure actuelle. Si l’on veut voir des robots qui se tapent sur la gueule, il vaut mieux voir AKB0048 Gundam Unicorn sur le coup.

Le point d’orgue de cette épopée est atteint quand on parle directement de l’absurdité de la guerre. Au fond, tout comme Ideon, Baldios est une œuvre profondément pacifique, et l’idée d’écologisme est utilisée plus en prétexte qu’autre chose. Car la thématique joue sur le besoin inconditionnel des extra-terrestres de tuer tous les humains sans pour autant endommager la planète, auquel cas elle ne serait plus habitable. Mais au cours de la bataille, cette notion disparaît peu à peu pour finalement n’être qu’un bonus, l’objectif premier étant avant tout sa survie. Le caractère profondément contradictoire de cette guerre devient ici marquant.

 Au final Baldios est une sorte de space opéra pas totalement abouti, mais qui a le mérite d’aborder des sujets plus sérieux que d’habitude. L’intérêt du film est vraiment posé dans ses thématiques qu’il assumera jusqu’au bout, les 2 heures ne sont pas suffisantes pour lui donner d’autres réels avantages. Les personnages principaux sont également un point fort, et plus particulièrement Aphrodia. C’est une bonne expérience pour ceux qui veulent se frotter à une œuvre aux abords nihilistes (prenons le ici dans son besoin de retranscrire un certain réalisme), bien que ma préférence aille sans conteste à Ideon.

Quelques screens :

Sources : Counter-X – Wikipedia

Plus qu’un article de présentation, j’aimerais aussi attaquer quelques points abordés durant les deux films, ça va donc spoiler. Comme beaucoup d’animé que je regarde et que je conseille, j’aurais d’avantage envie de vous dire de voir les films en n’y connaissant rien, car c’est tout de même ce qu’il y a de mieux pour aborder une œuvre et plonger dedans. Préparez-vous trois heures et lancer les deux films à la suite, c’est ce que je pense de plus efficace (et ne faites pas comme moi, en demandant des clés de l’intrigue entre les deux films …). L’article risque d’être assez déconstruit, je m’en excuse d’avance.

Pour ceux qui n’auraient pas lu l’article de FFenril (par exemple), il faut savoir que les deux films Ideon sortis en 1982 ont été réalisés après la série diffusée de 1980 à 1981. En réalité le 1er film Ideon – A Contact est globalement le résumé des 32 premiers épisodes sur les 39 de la série, tandis que Be Invoked retranscrit pendant les 10 premières minutes les derniers épisodes de celle-ci avant de proposer une fin plus convenable. En effet, la série n’ayant pas touché son public, il a été jugé bon de la terminer au plus vite, forçant Tomino à conclure en l’espace d’un seul épisode à la place de cinq. Je ne l’ai toutefois pas vue et donc je me garderais de tout commentaire plus précis, j’ai entendu qu’elle était malheureusement bien moins rythmée.

Dans un futur où les humains ont établi des colonies sur d’autres planètes, l’une d’entre elle a pour but de réaliser des fouilles sur la découverte d’une machine inconnue qu’ils n’arrivent pas à faire fonctionner. Un jour, alors que des extra-terrestres tentent de réaliser une mission de reconnaissance, un conflit éclate et la machine s’anime soudainement. Karala Ajiba, l’une d’entre elle, s’infiltre dans le vaisseau ennemie durant l’attaque. S’en suit alors une fuite quasi constante des derniers rescapés de la colonie prenant comme refuge le Solo Ships, tandis qu’il tente de percer le mystère de la force de Ideon, un robot humanoïde géant aux pouvoirs dévastateurs. Mais aussi l’acceptation de Karala au sein de l’équipage.

Une histoire au rythme de la guerre

Un synopsis de l’histoire n’est pas simple, car beaucoup d’éléments rentrent directement en jeu dès les premières minutes, le film ne sera d’ailleurs qu’un enchaînement à un rythme assez soutenu de scènes le plus souvent assez importantes. C’est une chose assez compréhensible quand on sait qu’il a fallu résumer un peu plus de trente épisodes dans un seul film de 1h20. C’est à la fois une grande qualité mais aussi un désavantage majeur pour le film, un avantage car on en a pour notre argent (façon de parler, il n’y a aucune édition sortie à ce jour en France), malheureusement c’est aussi un grand désavantage pour deux raisons. La première car il en va que certains éléments sont introduits et éjectés en l’espace de 10 minutes top chrono, beaucoup de personnages n’ont même pas l’occasion de réaliser une attache avec le téléspectateur. Mais c’est aussi un second désavantage quand certains points du récit ont besoin d’un minimum laps de temps pour évoluer sans que ça paraisse trop abrupte à l’écran. Si l’on prend par exemple l’intégration de Karala dans le vaisseau, cela fait tout de même assez étrange de voir qu’il ne faut pas plus de 30 minutes pour passer de l’état de prisonnière que l’on enferme dans une cage, à un membre presque intégrant des officiers de bord.

Le fait que les personnages apparaissent et meurent de manière ultra rapide possède un autre aspect super intéressant, car il instaure une ambiance très proche que celle que subit les personnages. On introduit ici la réalité d’une guerre qui touche de manière directe la population, Cosmo Yuki voit ses connaissances mourir les unes après les autres. Le plus marquant restera sans aucun doute la mort de Kitty, petite amie de Cosmo introduite en l’espace de 2 minutes et tuée juste après. Je ne sais pas si c’est plus développé dans la série (je pense que oui) mais cette démonstration représente toute la violence dans un période de guerre. On ne sait rien de Kitty, mais au final Cosmo ne devait sûrement connaître que très peu d’elle. Par cette mort soudaine, le réalisateur nous plonge dans ce monde où le bonheur est fauché en un instant par la réalité. Je pense qu’on ait bien loin d’un simple grattage de minute, et c’est très présent par la suite, devenant même par la suite la cause de la folie de Shéryl qui perd la plus rapidement tous ses proches. Cette violence n’est autre que la réalité et elle est beaucoup plus représentative que tout le sang que l’on pourrait faire couler, bien qu’aussi très présent ici et que l’on a déjà pu voir de manière beaucoup plus atténuée dans Macross DYRL sur le plan visuel. Il faut aussi noter le fait qu’il n’y a presque aucune interruption entre les assauts du Duff Clan, donnant vraiment l’impression vers la fin de Be Invoked que l’on assiste vraiment à une guerre sans fin.

Une représentation d’un groupe sous pression sans moralité – L’absence de manichéisme

Un point important que je trouve génial et que trop peu abordé dans certains animés, c’est l’aspect immoral développé : Tuer pour tuer. L’un des axes majeurs de la série tourne autour de la volonté folle de puissance et de destruction qu’apporte l’Ideon et qui n’apporte que la haine par la haine. Le Buff Clan n’est pas le mal par définition, c’est un peuple guerrier borné par une volonté de domination (d’ailleurs beaucoup de points m’ont donné l’impression que Macross s’en est librement inspiré, si Ideon ne l’a pas déjà fait avant, notamment avec le Buff Clan et toute la logique de peuple viril essentiellement composé de mâle et basé sur un code de l’honneur). Seule Karala fera figure d’exception, et bien qu’elle soit la seule, elle sera tout de même la représentante de son peuple. Mais dès le départ les deux clans sont sujets à cette tendance, notamment avec Lotta qui assassine froidement un prisonnier par simple désir de vengeance, par seul désespoir. Est-ce une solution ? Absolument pas et c’est pour cette raison qu’elle ne tue pas Karala alors qu’elle lui laisse amplement la possibilité de le faire. Pourtant elle fait mesure elle aussi d’exception, car Tomino ne cache pas que malgré tout la tuerie ne peut pas s’arrêter aussi facilement. Cette idée est très présente dans les sortes de dialogue de Cosmo amplifié par l’Ide lorsqu’il est dans le cockpit de l’Ideon. Pourquoi se battre ? Quel est le sens de ce combat ? Pourquoi tout le monde doit-il mourir ? Il a beau hurler ces questions qu’il continue à tuer des centaines de personne au même moment dans son robot. Mais c’est aussi le cas quand Sheryl kidnappe le bébé pour activer l’Ide. Du coup la guerre obtient son sens le plus réaliste et devient une mouvance qui semble ne pouvoir s’arrêter que par l’anéantissement pur et simple d’un des ennemies.

Cet aspect est d’autant plus concret que les deux clans qui se battent ne sont au final que très peu différents et forment même une seule et même espèce. La notion de race est totalement anéantie dans ces deux films et c’est la raison pour laquelle que le mot alien n’a au final pas sa place dedans. Ce contraste est très bien mis en avant, car le réalisateur prend le soin de ne pas dévoiler la chose aux premiers abords, dépliant ainsi peut-être une volonté de démontrer que ce sont en fait les deux camps qui cherchent avant tout à s’individualiser coûte que coûte. Si c’est le cas, c’est très finement joué, car c’est une représentation inverse d’un fait réel : Là où les humains cherchent à partir de leurs points communs pour se différencier, c’est ici de l’individualisation que l’on en vient à une seule et même race. Une fois de plus Karala est le personnage central (en fait je trouve qu’elle est de loin l’héroïne du récit devant Cosmo), car elle possède à la fois le même type sanguin que Cosmo lorsqu’il a besoin de sang, mais aussi car elle est capable d’avoir un enfant avec un terrien (qui équivaut à dire qu’ils appartiennent à la même race).

Parfois une image touche bien plus que certains mots, et Ideon possède pas mal de ce genre de plans que je trouve particulièrement géniaux. On voit ici le lien qui unit les deux peuples au sein de l’univers, liés par le sang. Double moralité, car à la fois cela représente le manque de logique à vouloir se différencier, mais le don du sang est aussi l’image d’une assistance et d’une ouverture à l’autre.

Le personnage de Karala et sa position

J’aimerais revenir rapidement sur ce personnage central et se position durant tout le récit. S’il y a bien une raison pour laquelle je voudrais regarder la série TV, ce serait avant tout pour voir l’évolution de Karala qui semble que trop sabordée dans le film. Car au final c’est le personnage le plus complexe de l’histoire, adoptant et étant adoptée progressivement par les humains, elle est l’unique lien entre eux et le Buff Clan. Bien qu’elle est avant tout un personnage fort dans ses convictions, elle n’en reste pas moins faible sur le plan physique. Les premières minutes met en place la situation la plus dure pour elle, à la fois rejeter par sa famille mais aussi détester par les humains. Elle finit cependant à accepter le détachement qu’elle se doit d’accomplir avec son peuple, quitte à le détruire. Je trouve que son personnage est vraiment bien foutu, le développement progressif de sa pensée et de ses actes lui donne un aspect contradictoire, entre réaliste du personnage et utopie dans ses convictions. Son détachement atteint son apogée quand elle préfère tuer sa sœur plutôt que faire mourir le bébé qui est en elle, symbole de l’union entre les deux peuples.

L’Ide et l’Ideon : Spirale versus Monster Truck

Quelques mots sur ce qui m’a fait voir en priorité cet animé, la notion de mecha possédant une âme et ayant la capacité de se mouvoir seul. Bien que cela semble être une des référence de Anno qui l’a conduit à imaginer l’Eva, les deux restent extrêmement différenciés. Tout d’abord et surtout, l’Ide ne représente pas une seule et même conscience comme c’est le cas dans Evangelion mais bien un ensemble d’entités, la 6ème civilisation. En ça, il ressemble plus à ce que sont les Spirales dans Gurren Lagann, car ils perdent une partie de l’aspect « humain » présent dans la série culte de Anno, notamment l’affinité avec le pilote, mais aussi l’individualisation que l’on pourrait accorder au robot. L’ide représente une simple conscience commune qui amène progressivement les hommes vers un but précis, et qui interagit à la fois avec l’ideon, mais aussi avec le solo ship. Contrairement à Evangelion, l’Ide semble clairement être la représentation d’un Dieu à la puissance infinie, la série fait d’ailleurs directement allusion à cet aspect religieux. Alors que l’Ide se doit de choisir parmi les bons et les mauvais, possédant un sentiment de justice, il protège l’enfant de Karala nommé carrément messiah. Si l’on accepte ça, on comprend assez facilement qu’il est en fait impossible à n’importe quel homme de saisir la puissance de l’Ide, car au fond elle les surpasse tous dans son schéma. Cosmo pose d’ailleurs une très bonne question en se demandant si l’Ide avait comme motivation de sauver l’enfant ou de tuer des membres du Buff Clan, il s’agit sûrement des deux. Cet aspect est renforcé quand l’équipe du Solo comprend que l’Ide choisira les personnes les plus altruistes, mais on se demande vraiment quel est l’intérêt de cet entité à réaliser une race commune entre les deux peuple, si ce n’est par référence à une entité divine désintéressée de sa propre personne.

De ce fait l’Ide n’est pas directement lié à l’Ideon, qui ne fait office que d’outil dans la réalisation de son plan. Le fait que cette entité ne soit pas directement liée à la machine est bien plus malléable que si elle l’était, ainsi elle arrive à la fois à créer un lien avec la machine mais aussi avec des personnages extérieurs. De ce fait, l’Ideon ne possède pas en soi vraiment d’accroche avec l’Ide, bien que celui-ci le préserve autant que possible dans le but d’arriver à son but, ce que l’on confond d’ailleurs au départ par un simple sentiment de préservation. Pourtant Tomino laisse les prémices d’une affinité avec un individu, en expliquant notamment que l’enfant entre en synchronisation avec lui, laissant penser à une relation privilégiée. Comme beaucoup de chose dans le film, je trouve qu’il a très finement jouer la carte du flou et ça rend la compréhension et le déroulement de l’histoire encore plus accrochant.

Il paraît aussi que Ideon a été l’un des premiers animés à présenter des mechas qui se combinent de manière réaliste sans mutation, et qui aurait inspirer notamment les VF-1A dans Macross SDF. Sur ce point je n’ai que trop peu d’expérience pour en parler.

Conclusion

Je suis sûr que j’ai du louper pas mal de chose, mais je suis aussi sûr qu’il y a vraiment énormément de points à débattre dans cette série. Ça reste une grande surprise et dans le bon sens du terme, je ne suis pas particulièrement habitué à l’univers de Tomino et je trouve que le travail qu’il a effectué dans ces films est vraiment impressionnant. On pourrait retenir uniquement les innovations conceptuelles apportées dans la série, ou juste le gore, cependant j’ai avant tout trouvé ces deux films vraiment bien maîtrisés. Si l’on ne se laisse pas déranger par l’aspect un peu déconstruit laissant un manque d’attache à certains personnage, c’est une très bonne expérience. J’aurais regretté que le format est imposé que certains points ne soient pas plus approfondis, qu’il n’est pas vraiment le temps de se poser, surtout que j’avais trouvé cette expérience particulièrement plaisante dans SDF Macross. Je pense que je resterais tout de même sur cette touche, de peur que la série ne me gâche cette impression de la franchise.

Sources : Le billet de DinoBleu sur Tomino – La rubrique dédiée sur Counter-X

Le nom de Kazuhide Tomonaga ne vous dit peut-être rien mais c’est un pourtant un artiste de grande qualité, largement oublié comme beaucoup d’animateurs clés. Âgé maintenant de 62 ans, il réalise enfin sa première production en tant que réalisateur mais a surtout travaillé sur de nombreux animé en tant qu’animateur ou mecha-designer. Après avoir suivi des cours de dessins, il rejoint le studio Tiger Production pour ensuite travailler chez OH-Production. Dans le studio Toei, il cultivera des compétences de mecha-designer, bien qu’il se définit lui-même en tant qu’animateur en priorité. Il travaillera pour Ghibli et plus particulièrement avec Miyazaki (mais il a aussi bossé sur des films de Takahata, il aura été directeur de l’animation de Pompoko) sur quelques productions, par exemple avec Conan le fils du futur. Mais c’est surtout sur le film Le château de Cagliostro qu’il se fera remarqué en animant la course de voiture de départ ainsi qu’une séquence de fin du film Galaxy Express 999.

Je n’en suis pas sûr, mais on aurait tendance à dire qu’il aurait subit l’héritage de Yasuo Otsuka, animateur important du studio Ghibli, et aura aussi été en concurrence (entendons par là une sorte d’amitié) avec Kanade Yoshinori, qui lui aussi fut un grand animateur de Ghibli. Cette particularité est intéressante car, comme je l’expliquerai plus tard, on sent bien une influence du « style » du studio dans Buta. Ce challenge entre les deux animateurs aurait été si important que Kanade aurait dit qu’il refusait d’entrer dans OH-Production pour cette raison. Pure spéculation de ma part, mais peut-être fut ce aussi le cas pour Tomonaga en intégrant jamais vraiment le studio Ghibli. Désormais ce duel n’a malheureusement plus lieu d’être, Kanada étant mort il y a trois ans d’une crise cardiaque. A coté de l’animation de très bonne scènes de séries et de films, on retiendra surtout Tomonaga comme étant l’un des premiers à savoir utiliser et à s’être intéresser presque exclusivement aux effets spéciaux, et à avoir laissé un apport majeur dans l’industrie sur ce point là. Il aura aussi marqué les productions de Lupin, en étant directeur de l’animation du film La conspiration du Clan Fuma (dont Koji Takeuchi fut le producteur, comme pour Buta), mais aussi sur Le secret de Mamo et sur Nostradamus, et encore très récemment en tant qu’animateur et story-boarder de Eternal Mermaid.

Réalisateur : Kazuhide Tomonaga – Producteur : Koji Takeuchi

Studio d’animation : Telecome Animation Film

Mais parlons un peu de l’épisode en lui-même. Buta fait partie de ces mini-production de 20 minutes qui s’auto-suffisent parfaitement à elles-même. A la fin de l’épisode, on sent tout de suit que Tomonoga a su très bien mener son bateau durant tout le temps qui lui a été accordé, l’expérience a sûrement dû jouer un rôle prédominant sur le coup. En soi, c’est déjà quelque chose de très agréable car les éléments apportés sont presque tous bien exploités, sans donner l’impression de se presser, avec aucun moment de relâchement et une fin qui se met en place de manière posée. Si le contraire a lieu dans une série TV, c’est souvent assez dommage (comme dans [C] par exemple), mais c’est catastrophique pour un épisode unique comme celui-ci. C’est donc déjà un soulagement. Mais tentons un résumé :

Dans un monde peuplé d’animaux anthropomorphes, un groupe de bandits s’attaquent à une famille pour lui voler sa carte au trésor, emportant par la même occasion le junior du groupe. Dans leur désir de conquête, les pirates viennent à engager un cochon mystérieux à l’agilité remarquable, en manque d’argent. Ce n’est que le début des ennuis quand celui-ci vient à aider le jeune prisonnier, presque à contre-coeur, mais c’est aussi la naissance d’une amitié entre les deux personnages aux caractères d’apparence opposés.

Le scénario n’a rien d’original et s’inspire librement d’anciennes productions, mais c’est pourtant aussi diablement efficace. Les animaux animés et le personnage de cochon en tant que rôle principal (Buta signifiant littéralement cochon) a aussi une arrière pensée très Ghibli non dissimulée. Tomonaga a d’ailleurs dit qu’il aurait toujours voulu faire un film comme celui de Paul Grimault : Le roi et l’oiseau (oh tiens, une autre grande inspiration de Miyazaki). Le personnage du cochon, homme solitaire au talent pourtant incroyable, n’utilisant la force qu’en dernier recours, fait tout de suite penser au héros de Porco Rosso. Bien évidemment le jeune loup possède un caractère à l’extrême opposé, avec une honnêteté naïve, une volonté et une idéalisation qui compléteront forcément avec son opposé. Le vieux apprend de la fougue de la jeunesse pendant qu’il lui inculque sa sagesse, classique. Pourtant on apprécie ce duo comme si c’était accepté d’avance, preuve d’une bonne gestion des personnages. Cette histoire d’animaux humanisés m’a aussi beaucoup fait penser aux Aventures de Buriburizaemon, le court de Crayon Shin-chan animé par Masaaki Yuasa (quelle surprise).

La série assemble une originalité très agréable et quelques clins d’oeil très sympathique. Mélanger univers imaginaire/féodale avec du mécha ? Aucun problème, on transforme le bateau en robot. L’épisode ajoute un ensemble d’éléments très appréciables, entre l’ingénieur fou qui donne une touche déjanté à la série, le trio de voleur dirigé par une femme qui restera toujours un mystère, ou la psychose du cochon envers les chats, on a des choses assez intéressantes.

Visuellement c’est aussi très bien foutu, les décors sont parfois très beaux avec un choix de couleurs claires super sympa. L’animation est digne de Kizuna Ichigeki de l’an dernier, notamment les scènes de combats qui sans être incroyablement bien animées, sont tout de même fichtrement bien foutues. D’un point de vu technique, c’est une très bonne surprise. Ojisan no Lamp, le court de l’an dernier et provenant du même studio (Telecom Animation Film) qui outre son scénario qui ne s’y prêtait par forcément, avait une animation de bien moins bonne qualité. Ça met déjà la barre bien haut pour ceux qui suivront dans ma liste.

Au final 20 minutes ça passe vite et on a pas grand chose à dire, néanmoins j’ai beaucoup apprécié Buta pour ce qu’il est. Pour moi c’est une très bonne surprise de voir le résultat de cette première production, et ça donne surtout envie de voir la suite. C’est aussi très intéressant de voir Tomonaga en tant que réalisateur, remplissant ainsi l’objectif que je m’étais fait du projet de la Janica. J’avais déjà pensé dans mon dernier billet que Buta pouvait être sympathique, mais je place encore pas mal d’espoir sur Wasurenagumo de Toshihisa Kaiya. On a plus qu’à attendre.

Quelques screens supplémentaires :

Sources : Anipage – SakugaWiki – Wikipedia [jp] - Son interview sur Orient Express

De nouveau un billet de passage mais c’est pas ma faute ! Parfois ça a du bon de traînasser sur des sites japonais, on finit par tomber sur des choses assez chouettes et j’ai eu la chance de finir ainsi sur une vidéo qui me faisait de l’oeil. Je ne pourrais pas vous dire grand chose sur l’auteur, si ce n’est qu’il se surnomme Rapparu, et que le type semble avoir 18 ans, ce qui est tout de même impressionnant pour ce qu’il fait. Les images parlent mieux que les mots, je vous propose ainsi de voir quelques gifs qu’il a réalisé pour vous faire une idée. Il a un site web et son profil youtube regroupe pas mal d’autres vidéos à la qualité assez variable.

Screen tiré de la première série TV (1971 – 1972)

L’illustration proposée sur le site web a tout de même sacrément la classe

Je ne suis pas spécialement fan de la série, non, sinon j’aurais déjà vu la saison 2 et la saison 3, ce qui n’est malheureusement pas le cas. J’aurais dévalisé mon porte-feuille en achetant la saison 3 en Italie comme j’ai vu certains le faire, ce qui aurait résulté à un suicide économique pour ma part, et surtout à une dégradation violente de mon statut d’étudiant. Mais il faut avouer que même sans mes offrandes monétaires (bon, à coté j’aurais pu télécharger les épisodes sur un site russe douteux), j’aime tout de même pas mal les aventures du célèbre cambrioleur.

Ce que je trouve génial dans toutes les productions que j’ai pu voir et qui ont tourné autour du manga de Monkey Punch, c’est la diversité de style entre elles, notamment avec les films. C’est la première chose qui m’a sauté aux yeux après avoir vu les cinq long-métrages proposés dans le pack IDP. Rien ne semble lier l’or de babylone au Complot de clan Fuma ou alors avec Le secret de Mamo, si ce n’est les protagonistes. Cette variation du visuel, de la manière dont chaque réalisateur a choisi d’utiliser tel ou tel personnage, de lui donner un tel sentiment, de donner un coté plus sombre à l’histoire, de modifier le chara-design des personnage, c’est quelque chose de caractéristique de la franchise. On le se sent même au sein de la première série, et ça fait vraiment la plus grande richesse de l’ensemble des productions Lupin.

Et c’est ça qui est plutôt cool, car à chaque fois que je démarre une nouvelle aventure de Lupin, je pars sans presque aucun autre à priori que les quelques screens que j’ai pu en voir. Parfois c’est une très bonne surprise comme pour Le complot du clan Fuma, ou alors avec le dernier spécial, Chi no Kokuin – Eien no Mermaid, puis à d’autres moments ça peut être assez horrible comme avec L’or de Babylon. C’est donc aussi le cas pour cette future série de 13 épisodes destinée à sortir le 4 avril prochain.

On a eu droit à un trailer depuis peu, il n’est pas des plus époustoufflant mais propose une ambiance super chouette qui j’espère sera aussi présente dans toute la série.

C’est donc avec pas mal d’attente que j’ai envie de voir ce que va donner Lupin au sein de cette nouvelle équipe, surtout que les visuels et les premières images sont plus qu’alléchants. Un Lupin plus destiné aux adultes ? Franchement, je demande pas mieux, surtout si c’est centré autour d’un des personnages féminins les plus charismatiques que j’ai pu voir dans l’animation japonaise. Fujiko a juste une classe absolue, femme fatale qui joue avec le coeur de Lupin, parfois éprouvant un faible pour lui, parfois se jouant de lui sans aucune hésitation. Elle incarne une personnalité qui joue sur une dualité dans ses sentiments, mais qui reste toujours attiré par son objectif. Ce n’est pas un personnage secondaire comme on pourrait l’entendre, c’est bien plus que ça.

De plus le staff semble en plus être assez costaud, avec comme supervision de l’animation et chara-design Takeshi Koike, comme réalisateur Saya Yamamoto (ayant déjà réalisé Michiko to Hatchin), et avec Dai Sato qui participerait au script. En attendant, on doit se contenter de ce trailer, d’un super jeu de ouf, et des quelques images proposées sur le site, dont certaines que j’ai mis en fin de billet car je les trouve super sympas. Je dois pas être le premier ni le dernier à avoir assez hâte de voir ce que ça donne, mais j’encourage pas mal les gens qui ne connaissent pas la série de s’y mettre, que ce soit avec cette série, ou avec ses grandes soeurs. Les premièrs épisodes commencent tout de même à se faire plutôt vieux, je pense que voir certains films restent une option plus abordable (en plus vous avez le choix). En attendons, levons nos verres à cette futur série, en espérant qu’elle sera aussi bonne qu’on l’espère !

Billet maxi brouillon mais plein d’enthousiasme !

On était au courant qu’ils avaient pour idée de ne pas lâcher l’affaire, et avait même voulu faire un série TV de 26 épisodes basée sur l’histoire originale de Masamune Shirow (auteur de Ghost In the Shell) en utilisant les mêmes procédés qu’employés dans les films. Après s’être fait jeter par Gonzo qui a tout de même compris que Mardock Scramble, ça allait rapporter plus d’argent que cette série, et après avoir dû finir aux tribunaux après une bataille avec le studio d’animation RADIX mobanimation pour ne l’avoir payé comme il se doit, on a enterré définitivement le projet. La fin du studio semblait aussi entraîner la fin de Appleseed, du moins comme on l’avait connu. Pourtant c’était en oubliant un peu vite la création d’un autre projet, formé quand le studio était (presque) encore vivant en collaboration avec Production. IG et le studio d’animation Jinni. Bien que l’entreprise des réalisateurs d’origine n’a pas tenu le coup, le projet est resté vivant pour aboutir l’été dernier à la sortie au Japon du premier box blu-ray (le 3 juin dernier).

Cette série semble être entièrement réalisée en cell-shading (consistant à passer de la 3D à la 2D) comme il en a été pour les films, avec ses avantages et ses faiblesses. Je ne m’y connais que très peu en CG pour cause que je n’aime pas trop ça, le plus souvent trop mal incrusté dans l’animation traditionnelle (alors que d’autres studios comme Ghibli l’utilise de manière presque parfaite à certains moments). Le choix de réaliser une série japonaise entièrement sur ce concept a dû être un parti pris difficile à défendre pour les producteurs. Pourtant les studios d’animation utilisant de la CG ont fait de net progrès ces dernières années, alors qu’il y a quelques années on avait l’impression que tous les réalisateurs avaient choisi d’utiliser cette méthode pour animer des véhicules en mouvement (ne serait-ce qu’une séquence d’autoroute) de manière particulièrement mauvaise, elle s’est étendue à beaucoup de partie de la production. Moins chère sans doute. On assiste de plus en plus à la création de petites séries qui reposent entièrement sur cette méthode, qui nous changent un peu de l’habituel Pixar et qui ne sont pas aussi horribles que Hoshi no Umi no Amuri. Par exemple avec la production de Fireball  et de sa suite Fireball Charming qui, bien que très courtes, étaient plutôt bien réalisées (d’ailleurs produite par Jinni).

Réalisation du cell-shading pour le 1er film (source)

Pourtant la formule ne prend parfois définitivement pas quand cela touche à Appleseed et il en est de même pour cette suite. Ma première impression a été de me demander si le talent du studio Jinni n’a pas été bridé de par son budget. Les épisodes souffrent parfois d’une lenteur, d’un manque de punch qui rend la plus grande partie des mouvements ou des expressions faciales terriblement foireuse. Certaines scènes d’action sont à l’inverse très bien animées, notamment quand il s’agit des combats aériens qui donnent alors à la CG toute sa force et son dynamise. De plus le mecha-design que l’on connaît de la franchise est particulièrement bien réussi, et le concept d’amure améliorée (nommée Gyges), bien que pas totalement neuf, est assez bien exploité ici. Ces armures ne sont pas des protections qui assurent la victoire assurée à celui qui la porte, les Gyges tronquent leur défense pour une meilleur maniabilité et laissant ainsi une faiblesse bien visible. J’aime particulièrement ce concept assez classe qui met plus en avant l’agilité du pilote plutôt que celui du robot surpuissant, laissant place à une science-fi plus réaliste.

Malheureusement le reste ne suit pas, particulièrement quand il s’agit de la transposition du chara design de Takayuki Goto au résultat final que j’ai trouvé vraiment repoussant, quand ça n’inspirait pas au contraire une impression totalement neutre. Les expressions faciales sont très importantes quand il s’agit de CG, dans une série « normale », l’animation du visage des différents personnages est généralement un peu limitée et l’attention est portée sur d’autres éléments. Le peu de travail apporté ici dans le dynamisme, l’esthétique et le réalisme des expressions faciales des personnages rend la chose très peu attrayante. Ce problème ne s’applique pas au cas des robots et la différence est bien nette, l’animation de l’ensemble des mouvements du corps du cyborg Brialeos, bien que loin d’être parfaite, est assez bien réalisée, rendant l’ensemble très acceptable. Chose plus personnelle mais je trouve que l’animation des cheveux est particulièrement mauvaise, ça ne ressemble strictement à rien. Sur le terme du chara-design pur (sans penser au passage en 3D), on retrouve des physiologies à la GITS habituelles, ce qui n’est pas une surprise comme l’oeuvre originale vient du même auteur.

Sur le scénario, la série flanche aussi sur pas mal de cotés. Je n’ai pas lu le manga original donc je ne pourrais pas faire de comparaison entre les deux, bien que j’ai lu plusieurs critiques à droite à gauche, qui critiquaient certains points de l’animé, comme le fait d’avoir rendu l’héroïne trop sentimentale. Mais j’imagine que le staff s’est autorisé quelques libertés, ce qui est assez dommage quand ils ont annoncé qu’ils allaient profiter de la série pour coller au mieux avec le manga original, pour finalement annoncé un autre manga basé sur leur série (bien que supervisé par Masamune Shirow)… Avec 22 minutes par épisode, on nous sert des épisodes au final plutôt sympathiques en terme de dynamisme (ce qui aide un peu à sauver la lenteur de l’animation), le premier épisode sert d’introduction et nous introduit directement dans ce qui semble être l’intrigue principale, les deux autres épisodes se focalisent directement sur la relation entre les deux protagonistes principaux.

Le cadre importe logiquement l’univers du manga, mais avec 3 épisodes je n’ai toujours pas compris ce délire de vouloir apporter une mythologie grec mélangée à des références bibliques. Choses qui sera sûrement complètement zappée jusqu’à la fin de la série, ou alors expliquée à travers des citations douteuses un moment ou un autre. Je suis assez récessif à cette attitude de mettre des idées pareilles juste pour l’esthétique, ou alors il faut que ce soit particulièrement bien maîtrisé et que ça ne déverse pas dans l’absurde, comme c’était le cas pour Evangelion. La série se base sur une cité d’apparence idyllique, où les humains sont assistés par des biodroïdes faits de chaire et de sang avec des gènes soigneusement sélectionnés : « The hardware is human but the software isn’t ». Alors que l’épisode 3 se focalise sur cet aspect, on se rend compte qu’au final on nous donne que très peu d’éléments et ça arrête trop l’immersion dans l’univers. Comment ces individus peuvent-ils être une sorte de robot humain alors qu’on leurs a insufflés des émotions ? Cette idée que des auteurs de science-fi ont mis des années à développer dans plusieurs bouquins est présentée ici sans aucune explication. On nous propose ici et là des bribes d’informations comme il en a été dans GITS (mais qui étaient elles développées, leur donnant une toute autre dimension), avec la présentation d’une situation politique tendue où des groupuscules aux idées radicales tentent de faire passer leurs convictions par la force. Malheureusement avec le format court, tout est un peu passé à la trappe et ne fait qu’ambiance de fond.

Le second problème de la série, c’est la caractère et les réactions de l’héroïne. Déjà par des réflexions totalement à coté de la plaque, notamment lorsqu’elle se demande si la cité Olympius est bel et bien sont Eden alors qu’elle risque de perdre Briaelos à tout moment en mission. Mais pourquoi être allé dans les SWAT si c’est ça qui l’inquiète ? De plus elle fait partie de ces personnages qui vit dans les réactions extrêmes, où ses émotions vont et vient au rythme d’un métronome, a-t-on cherché un caractère qui contraste mieux à son ami plus froid et calculateur ? On regrette le personnage de GITS qui s’affinait beaucoup mieux à l’univers de Masamune Shirow. Entre les séquences mélo mélo ou les moments où elle passe juste pour une demeuré, son charisme ne va pas en s’agrandissant au cours des épisodes. Cette aspect est assez important car le nombre de personnages secondaires et d’une part assez faible et de moindre qualité, et de l’autre ils ne sont que très peu exploitée. Du coup l’essentiel de la série tourne pour l’instant autour du personnage principal, dans cette situation le charisme du héros est assez primordial.

Au final je trouve que cette série est une tentative ratée et relate plus d’une expérience, d’un test de la part des studios d’animation plutôt que d’une véritable production. Concrètement ce n’est pas totalement à jeter et il est intéressant de voir comment certaines scènes sont très bien mises en valeur avec la CG, mais de manière globale l’utilisation de cell-shading pour toute la série est foiré. Les techniques ne sont pas suffisamment au point pour produire un résultat de qualité, agréable à l’oeil, du moins avec un faible budget. Il aurait été plus adapté de faire un film à haut budget plutôt qu’une série à l’animation limitée, bien que ce soit logique que les studios se tournent sur autre chose après les échecs des deux derniers films. Ou alors il faudrait transformer radicalement le procédé, surtout avec le chara-design où la transformation en 3D pour de nouveau l’aplatir donne un résultat plus que critiquable. Malgré les progrès de la CG (oh oui) ces dernières années, il semble que l’on ne pourra pas jeter l’animation plus traditionnelle au placard. Maintenant il reste à voir ce que le suite va donner, bien que l’on imagine facilement que les problèmes liés à l’animation ne seront sûrement pas résolus entre temps. Mais je crois sans prendre trop de risque que cette série sera un autre échec commercial dans la lignée, est signera peut-être la dernière tentative pour la franchise. Production I.G aurait peut-être mieux dû exploiter l’univers d’Appleseed comme ils l’avaient fait pour GITS, en mettant Kamiyama aux commandes. L’animation a plus que besoin d’adaptations de qualité de bons univers cyberpunk.

Quand je pense à l’ensemble des blogs français, la première chose qui me vient à l’esprit c’est tenter un rapprochement avec son homologue américain. Et les différences sont parfois assez marquantes. Les habitants du nouveau continent sont définitivement plus en avance sur deux sortes de billet. Déjà par ce que j’appellerais des publications « otaku for otaku », où ils discutent de divers sujets destinés avant tout à partager leur avis sur telle ou telle question, comme la portée des OVA sur une série, pourquoi est-ce qu’ils abandonnent certaines production en cours de route, en quoi Macross a eu une influence sur leur vie. Certains blogueurs (certes pas tous, mais ça a aussi un effet de propagation) en viennent ainsi à adopter une attitude très personnelle avec leur blog, c’est assez courant qu’ils s’excusent de ne pas le mettre à jour, de parler de leur petit fille ou je ne sais quoi d’autres de leur vie. Cela a ses avantages et ses inconvénients. La seconde sorte revient à la nature et à la diversité des billets parlant d’animation ou de lectures japonaises. Tout d’abord par des posts destinés à un seul épisode, presque totalement inexistants chez nous où les bloggeur attendent d’avantage la fin de la série avant d’en donner son avis. Je serais incapable d’en faire autant mais je trouve certains de ces posts géniaux, surtout quand l’on suit avec autant d’envie la série dont il est question. Les différents éléments de l’épisode sont analysés, partagés, on pose aussi des idées pour la suite. C’est tout un processus qui repose le plus généralement sur la frénésie nouvelle sur certaines séries, récemment avec Mawaru Penguindrum par exemple. Mais aussi avec des posts qui s’éloignent totalement du cadre de la simple review, mais allant plus dans l’analyse de fond ou sur réflexions sur des points précis d’un élément de surface d’une série.

Pour moi le fait que la majorité des blogs se contentent de faire des billets classiques, c’est avant tout par peur, d’une de ne pas intéresser, de deux des commentaires qui pourraient advenir par la suite. Comme à peu près tous les milieux présents sur internet, les discussions tournées autour du manga et de l’animation se transforment parfois en lieu de débat au tact plus ou moins présent, donnant parfois l’impression que l’écriture d’un billet peut s’apparenter à se mettre soi-même dans une cage à lion. Tant mieux pour ceux qui y sont habitués et qui connaissent la portée de certains mots, mais ça peut paraître un peu rude pour le premier venu. Cette attitude avait même abouti à la création d’un pseudo (bon, plus pour le rire) parti de bisounours, qui de manière assez comique soit dit en passant, comprend en son sein quelques membres des plus virulents. Je pense que cet aspect joue plus qu’on ne le croit sur la création de billets atypiques. Il a rarement été intéressant de faire un billet dans l’idée de se faire lancer une pierre dessus par la suite, et certaines personnes semblent attendre que ça. Après il n’y a pas grand chose à faire sur cette idée, mais ça reste tout de même une chose à pointer. Cette critique est d’autant plus importante qu’il est navrant de constater parfois que ce sont ceux d’il y a quelques années, qui se sentaient constamment agressés par des méchaphiles élitistes, qui sont maintenant les plus mauvaises langues, laissant derrière eux qu’un désir superficiel de toucher un média, prônant un humour au 27ème degré et dénigrant de manière gratuite ceux qui ne sont pas dans le même délire.

On regrettait aussi il y a quelques temps l’attitude des plus passionnés d’entres nous de ne produire que trop peu tout en critiquant à longueur de journée, de ne pas partager leur savoir de manière globale (rien ne vous empêche de discuter avec eux sur un chat). C’est toujours existant mais je trouve que ça s’améliore, le nombre de blog de fanas d’animation qui donnent tout de suite l’impression de s’y connaître est plus important. Pourtant il est toujours regrettable de voir que la majorité d’entres eux créaient trop de billets pour leur cercle, et que trop peu sont destinés à un public d’incultes. Ils n’ont aucune obligation mais l’art de partager sa passion et ses connaissances relève aussi d’un passionné et ça ne sera jamais un mal. Les connaissances sont disponibles autres parts, la majorité d’entres nous en apprend d’avantage dans les discussions avec les autres, mais il serait dommage de réfuter l’enrichissement qu’apporte aussi ces articles.

De manière générale et aussi avec un point de vue beaucoup plus subjectif que le reste, je trouve que la blogosphère ne transparaît que trop peu de passion. Ce mot que l’on a l’habitude d’écrire en rouge s’est progressivement transformer en motivation, reflétant à quel point le blogging semble se mouvoir progressivement plus à un devoir qu’à une envie. C’est aussi pour cette raison que je ne participe pas aux concours, même si ça peut sembler tirer par les cheveux, je ne veux pas me dire à moi-même que j’ai fait un billet dans l’idée de remporter un tel concours plutôt que par l’envie de bloguer. C’est stupide, car le plus souvent on ne blogue pas spécialement pour ça (et encore, pas sûr pour certains), mais ça reste tout de même quelque chose je m’impose. A mon avis, je pense que les auteurs devraient plus se lâcher, qu’ils soient nouveaux ou pas, de montrer leur passion comme il se doit et ne plus chercher à faire un Xième post sur une série. Ces articles ne sont pas à dénigrer et restent le socle d’un blog, le partage et la découverte sont importants, mais c’est aussi pour cette raison que l’on ne doit pas s’ancrer dans ce modèle. Que ce soit avec des posts sur les couples de K-on ou sur l’univers Gundam, la blogosphère a plus à gagner à se laisser emporter vers une vraie ambiance de passionnés et qui sort de ses cadres actuels.

Il n’y a pas si longtemps, un ami blogueur m’a dit que certains écrits devraient avoir plus leur place sur des sites plutôt que sur des blogs. Personnellement je n’arrive pas à me convaincre que ce soit le cas bien que je comprenne parfaitement son raisonnement. Tant que le discours reflète celui d’un passionné, et bien que d’un point de vue de référencement et de globalisation il serait préférable d’indexer certains types d’articles à des sites, un billet a toujours sa place sur un blog. Le blog est l’inverse du bulletin de presse, il est censé transparaître une certaine émotion et c’est donc nécessaire d’y ajouter plus de passion. C’est donc toujours avec une certains tristesse que je constate que beaucoup de blogs se contentent encore d’un avis synthétique de quelques lignes sur une série ou un manga. L’oeuvre critiquée ne mérite pas ça et le support non plus. Il est idyllique de s’imaginer que la blogosphère va se tourner vers un amour inconditionnel de l’autre et une passion libérée, néanmoins on peut toujours espérer s’y rapprocher. J’ai des amis qui ont de multiples passions, mais c’est toujours avec un énorme plaisir que je leur parle de réalisateurs et de productions que j’aime, surtout quand je sais qu’ils y portent un intérêt bien qu’ils ne soient pas du tout fan d’animation japonaise.

Finalement ma conclusion n’est pas forcément très différente de celle que je m’étais forgé il y a quelques années, je reste toujours assez idéaliste sur ce que pourrait advenir de la blogophère, bien que je suis aussi certain d’avoir perdu un peu de ma naïveté. Je conseille toujours autant aux autres de faire un blog, même si ce n’est pas pour écrire beaucoup, et je regrette toujours autant que certaines connaissances ne s’y mettent pas. Cet écosystème a autant besoin des forces d’hier que de celles de demain et demande un constant renouvellement, car la diversité fait l’essentiel de la richesse d’une communauté. Lâchez votre motivation forcée et faites sortir votre passion ! Certains le font déjà et proposent des articles intéressants pour tous. Au pire faites des erreurs, ce n’est pas un mal et c’est toujours mieux que de n’avoir rien tenté. Allez, viens ! Nous sommes déjà plus de 50 sur animint ! Regarde tout ce qu’on peut faire ! C’est génial non ?

Article déposé sur le positivisme de idolm@ster !