La salle pouvant accueillir un peu moins de 80 personnes s’est remplie assez lentement pour finalement afficher complet, ce qui fut en soi une assez bonne surprise. Je me demande encore maintenant si les préventes ont été complètement vendues, ou si c’était un hasard, mais peu après 8h l’équipe a commencé par se présenter face à une salle comble, avant de se lancer directement dans la diffusion du court métrage en question. Visuellement ce court a comblé toutes mes attentes, durant ces 15 minutes on retrouve totalement la liberté, le style de Yuasa, peut-être même encore plus exacerbée ici que dans ces dernières séries. La durée très courte de l’épisode ne laisse aucun temps mort à l’animation très dynamique de Yuasa, alternant parfois avec un humour très sympathique face une histoire qui de base, comme cela sera expliqué par la suite dans les questions réponses, possède un background bien plus complet que ce que l’on peut apercevoir dans celui-ci. On sent continuellement que la liberté apportée dans ce court a permi à Yuasa de laisser place à ses envies, l’animation y est très colorée et les dessins ne sont volontairement pas très précis dans leur forme, lui donnant cet aspect très caractéristique et facilement observable des productions de ce réalisateur.

La séance de question réponse a été l’occasion de poser ses diverses interogations aux quelques membres de l’équipe, donc essentiellement Yuasa, Eunyoung Choi et Aymeric, un animateur français chargé notamment de la colorisation des décors dans le court. Les différentes questions étaient intéressantes, bien que parfois on avait un peu l’impression d’une esquive dans la réponse plutôt que quelque chose de véritablement formel. Cependant cette session a été l’occasion d’avoir pas mal d’éclaircissement de la part de l’équipe sur quelques points et quelques inspirations du film. Je n’ai malheureusement pas pu savoir si Eunyoung Choi allait diriger une future série dans un avenir proche (même si elle semble en avoir l’envie), ce que j’aurais trouvé très intéressant. (^.^)

La suite de la séance a été la diffusion d’un making off de ce court, assez particulier mais plutôt marrant dans la réalisation, où l’on apprend avec le sourire que Yuasa a été quelqu’un d’un peu 2 de tension dans sa jeunesse et que Michio Mihara est un grand fan de concert d’idole l’empêchant de bosser le week-end. Plutôt qu’être un reportage habituel sur la réalisation du cours, le making off  s’est plus focalisé sur les différents membres et l’ambiance qui régnait dans le studio et au sein de l’équipe, ce qui est assez sympa même si parfois un peu déconcertant, la séance se terminant en enchaînant directement sur le premier épisode de Tatami Galaxy. Bien que la représentation de celui-ci m’a semblé très subsidiaire, surtout quand l’on sait que c’est une occasion unique de pouvoir avoir une interaction sous forme de questions réponses avec l’équipe, il semblait cependant que pas mal de spectateurs de la salle ne connaissaient pas vraiment la série, si ce n’est pas du tout. Bien qu’encore maintenant je conserve cette idée qu’on aurait pu gagner du temps ici, c’était tout de même assez sympathique de revoir cet épisode sur un écran de cinéma.

La fin de celui-ci a signé par ailleurs la fin de la séance en générale, et quelques ont eu le courage d’aller demander un coup de stylo de la part de Yuasa. Au delà de l’aspect chasse à l’autographe, ce fut aussi l’occasion de discuter directement avec quelques membres de l’équipe, bien que comme je me l’imaginais (voir pire), Yuasa et Eunyoung Choi sont extrêmement timides, ce qui rend l’échange malheureusement un peu bridé bien que totalement inespéré au départ pour ma part. J’ai par ailleurs subi les quelques instants les plus honteux de l’année en venant avec une vulgaire feuille oxford pour obtenir un sésame et en taxant à l’arraché un feutre, alors même que j’hésitais à sortir mon DVD de Taikei le soir auparavant. Je ne ferai plus deux fois la même erreur si ça venait à se représenter (en comparaison, il y en avait qui était totalement préparé, à la limite de la routine du baroudeur de la dédicace).

Je savais qu’il aurait fallu beaucoup de malencontreux événements pour que je ne sois pas satisfait de cette soirée, et donc du coup ce n’est pas très étonnant que j’ai été pleinement comblé de celle-ci. Plusieurs éléments très sympathiques se sont en plus produits (rencontre avec des gens par la force du hasard, possibilité de discuter directement avec Yuasa …), ce qui ne pouvait que rendre cette soirée plus agréable, voir même inoubliable à certains moments. Maintenant je n’ai plus qu’à attendre d’obtenir mon édition DVD par la poste pour pouvoir le revoir, mais en attendant je ne regrette pas un centime de ce que j’ai pu donner pour la création de ce court. Un autre article de la part de Neokenji sur le sujet est dispo, avec notamment une retranscription de la majeure partie des questions réponses pour ceux qui sont intéressés.

Cela fait maintenant 3 ans que je n’avais pas abordé directement le sujet du streaming sur le blog et pas mal d’eau a coulé sous les ponts depuis. Beaucoup de chose ont maintenant changé, que ce soit les acteurs majoritaires ou les politiques de commercialisation. Le marché du simulcast, du moins celui de l’animation japonaise et du manga, possède cette caractéristique de continuer lentement à maturer tout en étant constamment la cible de nombreuses nouvelles tentatives. De plus, plusieurs événements assez importants se sont récemment passés sur le plan international : l’annonce de la fermeture totale de l’acteur JManga pour la fin de mois de mai, ainsi que la promotion d’une nouvelle plateforme, Daisuki, directive japonaise afin de proposer une plateforme fédératrice à visée  internationale.

Récemment, un article plutôt bien écrit par Guénaël Pépin pour le journal Le monde a assez tourné dans l’animé sphère, résumant assez bien les acteurs sans pour autant imager le marché comme un simple conflit enfantin entre les fansubtile et les éditeurs. L’auteur conclut sans réelles réponses, nulle doutes que la situation actuelle ne permet toujours pas de savoir comment va réellement s’orienter la streaming légal. Le but de cet article est d’éclaircir (si possible) les événements récents et les pistes à venir, tout en apportant un point de vue personnelle à la situation.

Un marché français qui peine à se trouver

Le marché du streaming a depuis ses débuts énormément peiné à fournir un modèle stable et qui permet de s’auto-gérer. Sur les deux grands acteurs français présents, KZPlay et Wakanim, le premier avoue même ne pas s’auto-suffire et subsister seulement grâce à ses autres revenus. Après plusieurs tentatives, il semble que deux modèles émergents ont pu voir le jour, celui de proposer gratuitement les épisodes en vue libre et passer ensuite à une version payante, ou celui de pouvoir télécharger directement l’épisode. En réalité il semble même que ce soit les deux qui importent, comme l’a montré l’échec cuisant de Mangawebstore il y a quelques années (peut-être aussi couplé à une faible promotion) alors même qu’il s’inspirait d’homologues tel que Steam. Il reste cependant encore difficile de définir avec justesse qu’elles sont les modèles qui auront le plus de poids à l’avenir, entre streaming auto-suffisant et plateforme annexe de grandes boites tels que Kaze. Il reste cependant assez certain qu’un modèle reposant exclusivement sur les revenus publicitaires est inconcevable, avec 1 euros de revenu pour 100 vues et un épisode coûtant au minimum 500 euros à verser au japonais (hors frais de distribution et d’édition …), difficile d’imaginer un modèle économique viable.

Pour beaucoup de consommateurs, il semble qu’une surface de distribution d’animés sur le net comme Steam soit l’idéal et pourrait résoudre une telle situation. En effet, la centralisation d’une telle plateforme aurait divers avantages : Catalogue complet, réduction possible par des marges, centralisation d’un compte. Cependant contrairement au marché du jeu-vidéo où Steam a réussi à réellement s’installer avant même la réelle promotion de la vente sur internet, l’animation s’y est pris un peu plus tard et a laissé donc chaque éditeur de former en même temps leur plate-forme. De ce fait, les différentes licences sont très fragmentées entre toutes les plateformes et ne semblent pas permettre de proposer un tel site fédérateur, du moins par des français.

Vers une distribution internationale ?

Si le marché reste très fragmenté en France, la distribution peut cependant changer sur le plan international avec une injonction directe de la part des japonais. C’est de moins ce que laisse croire la dernière plate-forme lancée par les japonais, à visée directe sur le marché international, et plus spécifiquement occidental, dénommée Daisuki. L’objectif de cette initiative japonaise serait de compiler un ensemble de séries provenant de plusieurs studios afin de proposer une alternative idéale, en proposant un simulcast directement contrôlé par les japonais. Face aux contraintes apportées par le fansub avec la distribution presque en direct de releases sous-titrés, une telle initiative a pour but de proposer une démarche économique durable et gérée directement par les studios producteurs d’animé. A cette initiative on peut imaginer plusieurs raisons : Des problèmes techniques majeurs de la part de certains éditeurs, controverse de recrutement d’équipes amateurs, ajout d’épisodes encore non diffusés au japon, désir de contrôler le marché …

Il faut avouer que le marché occidentale, qu’il soit en déclin en France ou en évolution aux Etats-Unis, intéresse de plus en plus les japonais. La dernière grosse démarche dans l’hexagone aura été sans aucun doute la reprise de la maison Kazé par les japonais, il y a maintenant quand même plus de trois ans, et les maîtres droits semblent de plus en plus chercher à contrôler eux-même le marché sans passer par des intermédiaires. Autant dire que ce genre d’initiatives peuvent autant déboucher vers une fin très appréciable comme à une catastrophe éditoriale. Ce ne serait pas la première fois que des japonais chercheraient à instaurer, presque de force, un calque rigide de leur vision de la vente de l’animation, face à une méconnaissance palpable des marchés européens ou américains (qui sont bien différents l’un de l’autre par la même occasion). Cela peut paraître d’autant plus effrayant qu’ils peuvent facilement forcer la main à la fois de la concurrence, qui sera alors nulle, et du consommateur. Bien que dans plusieurs interviews ils ont tout de même laissé entendre qu’ils ne chercheraient pas à imposer un monopole dans la distribution de l’animé sur le plan international.

Une telle opportunité regorge aussi de plusieurs qualités qui peuvent laisser un peu rêveur le consommateur. Un tel modèle avait vu le jour pour certains animés, comme avec les OAVs de Gundam Unicorn ou pour Fate/Zero, et permettait alors par une gestion interne (et donc normalement plus fiable) de proposer une diffusion et une distribution internationale, prenant alors même de court le fansub. Ceci inclut aussi une meilleur gestion en interne des licences, et une meilleur collaboration des moyens mis en oeuvre pour la diffusion. Cependant le milieu de l’édition reste une entreprise au final très locale, et il est difficile d’imaginer une telle infrastructure fonctionner machinalement correctement sur un si large public. De plus, ce n’est pas la première initiative de la sorte qui pourrait se vautrer dans une telle tentative, en témoigne le récent crash de Square Enix avec leur plate-forme outre frontière de manga.

Daisuki n’est cependant pas la seule plateforme recherchant à lier plusieurs studios japonais dans une même entreprise. Si celle-ci a surtout fait parler d’elle car diffusant de nombreux animés populaires, comme One Piece ou Puella MMMagica, d’autres initiatives plus discrètes ont vu le jour récemment, comme c’est le cas par exemple pour Anime Sols, diffusant spécifiquement de vieux animés (cependant uniquement pour un public américain). On observe ainsi clairement une évolution des différents sites de streaming, j’en retiens pour l’instant deux questions majeurs : Premièrement, est-ce que le fait que ces sites soient formés par un conglomérat de studio les aidera à réussir là où les autres ont échoué ? Et deuzio : Est-ce que les petits sites de streaming survivront alors face à de tels sites à la longue, ou alors est-ce que ce sera l’inverse ?

Un public prêt au changement ? La surconsommation comme facteur important de la crise

Ce troisième point est comme on peut l’imaginer, un point de vue bien plus personnelle de la situation. Je me souviens avoir entendu et relu par la suite dans Starting Point, Hayao Miyazaki avoir critiqué il y a maintenant 20 ans le nombre conséquent d’animé japonais qui étaient produis. Il est clair qu’il était alors loin de s’imaginer de la situation actuelle et presque critique que le consommateur nouveau ou ancien d’animé vit actuellement. Il est devenu limpide que le fan d’animé actuel ne vit plus l’animation tel qu’on pouvait la vivre il y a même 10 ans. L’explosion du fansub et la surproduction d’animés, le plus souvent à moindre originalité, ont « forcé » le consommateur à développer une habitude obscène de surconsommation de ce produit culturel. Le fansub comme intermédiaire face à cette surconsommation a laisser au consommateur européen la possibilité de vivre cette culture klinex, ou la durée de vie d’un animé ne dépasse rarement plus l’espace d’une saison.

Comment expliquer les ventes si faibles d’animé ayant pourtant eu une ovation importante sur internet, tel que Tengen Toppa Gurren Lagann ? Il me semble clair que le consommateur actuel d’animé n’est tout simplement plus/pas capable de passer vers une offre légale d’animé, pour la simple et bonne raison qu’il n’en aurait même pas les moyens. Ce serait comme demander à un mec à qui on offre tous les jours gratuitement 10 bigmac, de se nourrir une semaine avec seulement 20 euros en poche. Mais peut-on vraiment mettre toute la faute au consommateur ? Sans dénigrer le libre arbitre de chacun, l’industrie de l’animation japonaise a favorisé un tel climat de mal bouffe, introduisant ce concept de séries poubelles/drogue à consommer en masse, qu’ils subissent une partie du marché qui se présente aujourd’hui à eux. Que peu d’amateurs d’animation japonaise peuvent se permettre de dire d’acheter ne serait-ce que 50% de leur consommation actuelle d’animé, et ce sans même dévorer le 15ème de la production saisonnière proposée au Japon.

De plus, et encore bien plus qu’auparavant, les nouveaux consommateurs d’animé japonaises (et par là j’entends des jeunes consommateurs) sont nés dans l’air du numérique et du tout gratuit, autrement dit du warez intuitif. La double face du marché de l’animation, entre diffusion impressionnante au sein de la jeunesse, et marché de niche face au manque de consommation responsable a de quoi laisser encore plus perplexe. Comme le laisse entendre Olivier de chez Wakanim, on vie actuellement une situation étrange où l’animation japonaise, le manga voir même l’ensemble de la culture japonaise obtient un intérêt et un public croissant, et pourtant à contrario aussi un marché qui s’effrite progressivement. De plus en plus d’idées viennent aussi voir le jour et laisser rêveur des consommateurs aptes à la niaiserie à grande échelle, comme le modèle du tout gratuit par la copie digitale sans coût de production. L’inconscience d’une telle idée laisse penser que les animés sont produites par des robots, et les animateurs n’ayant même pas de quoi se payer une sécurité sociale vivent d’amour et d’eau fraîche. Malheureusement ce n’est pas la réalité, et bien que les éditeurs doivent évoluer en même temps que le marché et les technologies, l’auteur doit tout de même uniformément continuer à subsister à ses besoins.

]]> http://www.jevanni.com/?feed=rss2&p=5305 1 http://www.jevanni.com/?p=5302&utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=basilisk-court-de-ami-thompson http://www.jevanni.com/?p=5302#comments Tue, 23 Apr 2013 22:15:23 +0000 jevanni http://www.jevanni.com/?p=5302 Hop, encore un petit billet pour présenter un court métrage très sympathique. Cette fois-ci il nous vient de Ami Thompson, jeune artiste canadienne ayant notamment bossé chez Disney sur un court appelé Momotaro, dont je ne trouve aucune info (et je doute qu’il s’agit de celui de 45 …) mais aussi chez Ghibli sur Ponyo sur la falaise. C’est très chouette, bien animée et dynamique, on sent même un poil l’héritage Ghibli dedans. Il s’agit du projet pour sa thèse et du coup je suis assez intéressé à ce qu’elle pourra fournir par la suite.

http://www.youtube.com/watch?v=qzos_pPlOlI

Avant toute confusion, je tiens à signaler ici que je vais parler de la série d’OAV distribuée en 2001 et non pas de la série TV diffusée deux ans plus tard. J’ai aussi eu l’occasion d’acheter et de voir cette seconde série, mais j’en garde encore un souvenir profondément amer d’une succession qui n’en porte comme héritage que le nom. Et je dois avouer que je ne sais pas si j’aurais un jour le courage de revoir celle-ci. Pour l’histoire, Read or Die provient à l’origine d’un light novel écrit par Hideyuki Kurata en 2000 et qui a été adapté à l’écran après avoir gagné en notoriété. Un manga a aussi été publié, mais je n’en ai jamais vu une page, il semble que ces trois formats prennent chacun de manière différente l’histoire, bien que Kurata a supervisé lui-même le script des OAV et de la série TV.

Yomiko Readman est « The Paper », un agent opérant pour un service secret britannique, la British Library. Malgré ses aires complètement insouciants, Yomiko possède le pouvoir de manipuler à sa guise le papier, de le rendre solide ou de lui change sa forme. Après une attaque terroriste de grande envergure, elle est appelée à faire partie d’une mission visant à garder un ancien livre, rencontrant par ailleurs Nancy Makuhari, un autre agent au caractère  taciturne.

Après avoir mis la galette dans le lecteur et lancer la lecture, une première chose tape à l’œil. Ouch ! La série a pris un sacré coup de vieux depuis la dernière fois que je l’avais vue, le format 4/3 n’aidant clairement pas à lutter face à cette impression. Cependant cette image ne restera pas longtemps en tête, notamment par le fait que contrairement à des séries comme Macross, cette série d’OAVs subi les avantages de son format. Le soin apporté à la série qui lui avait donné à l’époque une très belle parure, se ressent encore maintenant bien que malheureusement dépassé par la qualité des productions contemporaines.

Il suffit cependant de regarder le générique pour se rendre compte que la série n’a pour autant rien à cacher, le tout est très dynamique et la qualité de la réalisation n’a quant à elle rien perdu de son charme. Ce générique met en plus en train toute la classe des bandes sons un peu jazzy de l’époque, coordonnée ici par Taku Iwasaki, et qui rappelle de très bons souvenirs. On retrouve dans cette entrée en matière tout le coté dynamique de la série, se mêlant parfaitement au coté pourtant opposé du personnage de Yomiko. Jeune fille à l’apparence complètement insouciante et fragile, elle n’en cache pas moins une nature combative. En cela elle est l’opposée même de Nancy, cependant une certaine amitié les liera au fur et à mesure des événements.

Là où beaucoup de séries piétinent pour fournir une intrigue correcte et intéressante, il ne faut pas plus de deux épisodes pour lancer la sienne et un seul de plus pour la conclure. Même si comme on pourrait s’en douter, celle-ci n’a rien d’extraordinaire, elle reste cependant très convaincante et continue d’être le point fort et impérissable de cet OAV. Peu, voir aucun temps n’est vraiment perdu dans ces épisodes, et l’on enchaîne assez rapidement découverte des personnages avec plusieurs rebondissements qui iront enrichir progressivement l’intrigue, le tout dans une ambiance fantastique possédant beaucoup de charmes.

Les différents personnages sont très soignés et j’aime beaucoup le chara-design élégant apporté à chacun. Que ce soit pour Yomiko, Nancy, le Joker ou l’ensemble des ennemies, on découvre un panel de personnages avec une charisme propre à chacun, bien que parfois à l’existence très brève. L’ensemble des pouvoirs proposés permettent de laisser libre l’imagination du spectateur, et RoD réussit en à peine une heure à fournir un univers à la fois très ouvert et complet, mêlant l’aspect fantastique des pouvoirs des personnages avec l’esprit un peu « old school » de l’institution. Bien qu’opposés sur pas mal de points, la série se rapproche quelque peu avec l’univers de la série Hellsing.

Sans cherche à faire de spoil, retrouver la fin de la série a toujours été un bon moment pour ma part. J’ai repris énormément de plaisir à revoir cet épisode 3, bien que je me souvenais encore (malheureusement) de l’ensemble de l’intrigue, beaucoup d’éléments s’enchaînent et donnent alors un épisode que je trouve toujours aussi bien construit. Le seul gros reproche que je pourrais donner à la fin de cet épisode, ce serait de nous donner envie et de nous laisser finalement sur notre faim. Ces trois épisodes permettent tout au plus de s’immerger dans l’univers que pourrait être les aventures au sein de la British Librairy avec Yomiko, et je reste toujours en attente d’une suite tant l’univers permettrait une telle opportunité. Read or Die reste pour moi un incontournable pour tous ceux qui cherchent à compléter un peu leur culture d’animé, oubliée peut-être un peu trop vite, cette série peut cependant figurer la tête haute auprès d’autres figurants tels que FLCL ou bien Hoshi no Koe. 

J’ai eu la chance de naître au début des années 90, période où la société Disney a retrouvé un nouvel âge d’or. Et bien que je n’ai pas été directement affecté par la chose, j’en ai agréablement subi l’héritage. Mes classiques d’enfance resteront à jamais des dessins animés comme Aladdin, qui ont sans doutes marqué ma jeunesse à tout jamais par leurs qualités. Je suis et je reste quelqu’un de très attaché à l’animation traditionnelle dans sa forme la plus pure, bien que cela ne veut strictement plus rien dire à l’heure actuelle car n’existant plus du tout. J’ai toujours tendance à comparer l’animation aux films réalisés en prises de vues réelles, notamment afin de prendre en compte les avantages de chacun. La valeur essentielle et intrinsèque de l’animation reste sans nulle doute pour moi sa liberté totale dans sa créativité, et c’est quelque chose à laquelle j’accorde énormément d’importance. A mon sens l’imaginaire du réalisateur voire même de l’animateur peut transcender une scène afin de la rendre plus vivante que jamais, de cette manière j’accorde un immense respect pour le travail réalisé dans Aladdin, car c’est un film qui n’aurait jamais eu autant de force s’il avait été réalisé sur un autre support que l’animation.

Je le soulignais par ailleurs dans ma review sur Ernest et Celestine, l’animation traditionnelle peut apporter beaucoup par l’imaginaire. Je revoie notamment cette scène où l’armée de souris s’agglutine en une seule masse immense, afin de souligner cet aspect de vague indomptable et insurmontable de souris, ce qui est typiquement quelque chose d’impossible en prise de vues réelles ou même en animation de synthèse. Masaaki Yuasa en parlait notamment dans son interview sur (notamment) Mind Game, où il faisait par ailleurs la comparaison entre l’animation traditionnelle et l’animation digitale utilisée parfois dans son film. Le digitale bien que plus efficace laisse tout de même une certaine rigidité dans son résultat.

On est loin maintenant de l’époque où l’utilisation de l’animation digitale dans les séries japonaises se limitait le plus souvent à l’animation de super moches voitures en 3D. Depuis beaucoup de progrès ont été réalisés, et même récemment de très beaux courts réalisés dans cette lignée ont vu le jour. Il ne s’agit pas de dénigrer l’animation digitale au profit de l’animation traditionnelle, notamment pour les raisons citées en introduction, mais il est dommage de constater que l’animation traditionnelle perd toujours plus de terrain face à une animation moins personnelle, moins individuelle et plus uniformisée. Et il suffit de regarder les dernières productions des grosses boites américaines pour s’en rendre compte, bien que l’animation traditionnelle n’est pas morte, du moins pas en France comme le montre beaucoup de réalisateur d’aujourd’hui. Mais j’ai tout de même peur qu’un jour elle soit totalement perdue, que je ne trouve plus du tout mon compte dans cette animation de synthèse, de ne plus être sur le cul après une scène d’animation qui regorge à elle seule tout un talent créatif. Une partie de l’animation que j’affectionne se meurt, et les licenciements réalisés dans les locaux de chez Disney sont là pour me/nous le rappeler.

http://www.youtube.com/watch?v=M6rb6kknj3A

Comme je suis à deux doigts de flancher dans une crise de foie sévère (et sûrement fatale) due à une overdose de chocolat, je profite de mes derniers instants pour vous parler du dernier animé sakuga de fou fou sorti il y a à peine quelques heures sur nos réseaux : Little witch academia. J’en parlais il y a déjà 5 mois sur mon blog en présentant les différents projets de la fournée 2012 de Anime Mirai, et depuis le projet a suscité pas mal d’engouements voir même un peu de frénésie parmi les amateurs d’animation de bon goût. Mais pourquoi tant d’attentes ? Tout simplement car c’est le studio Trigger qui est derrière le projet, souvenez-vous, ce studio fondé par des anciens membres de chez la Gainax et qui se sont distingués notamment sur la très bonne série Tengen toppa Gurren-Lagann. C’est donc pour pas mal de gens l’annonciation hypothétique d’une nouvelle étoile montante dans le monde de l’animation japonaise, ce court faisant par la même occasion un peu office de vitrine pour ce tout nouveau studio.

N’en reste pas moins que le court est censé tout de même faire partie du projet Anime Mirai et il serait dommage de l’oublier, mais il semble que ce même épisode ait été transformé d’avantage pour montrer ce qu’avait dans le ventre le studio que pour autre chose. Car tout de suite les premières minutes sont là pour mettre le credo : « Salut KyoAni, c’était cool ce que t’as fait sur Hyouka », « Salut Gainax, on a fait un beau truc ensemble aussi », « Mais maintenant mattes un peu ce que je peux te mettre dans la gueule aussi ». Ainsi commence à demi voix le début de ces 22 minutes d’animation où l’on peine à croire que l’on est vraiment dans le même cadre que dans les projets de l’an dernier. L’animation envoie du pâté, c’est très coloreé et très dynamique, montrant tout de suite que chez Trigger on rigole pas et que ici aussi on a du talent en boite.

Comme dit à l’instant, j’ai eu peine à faire même une petite comparaison avec ce que nous avaient sorti les studios les deux dernières années, où la différence de qualité entre les quatre courts se situait bien plus dans le choix de l’ambiance graphique, du thème et de la réalisation plutôt que de l’animation pure, qui restait pour la plupart dans la moyenne. Ici on n’est clairement pas dans la même optique, c’est d’avantage une démonstration de puissance et ça se recadre bien plus dans une optique commerciale que dans une simple volonté de faire monter de nouveaux talents dans un studio. C’est d’ailleurs assez intéressant qu’un tout jeune studio comme l’est Trigger s’attaque à un projet d’Anime Mirai qui est censé proposer à de nouveaux talents l’expérience acquise dans la productions d’animés. Non pas que je doute un seul instant des talents recrutés dans ce studio, mais ne perd-t-on pas un peu de vue l’objectif ?

Globalement l’ensemble de l’épisode se tient très très bien, et tous les éléments s’accordent l’un avec l’autre durant les 22 minutes qui leurs sont proposées. On suit ainsi les aventures de trois apprenties sorcières qui vont se voir confronter à quelques épreuves. Au fond tout les ingrédients intéressants sont présents, l’héroïne est la surexcité de base, accompagnée par la classique timide et l’excentrique férue de potions toutes plus dangereuses les unes des autres. A cela se rajoute très rapidement une rivalité avec la blondasse idolée dans toute l’école, de quoi former en quelques minutes une recette basique mais pas moins efficace. Le court nous rappelle par la même occasion un peu son héritage gainaxien et donc quelques peu otaku, avec quelques références plus ou moins dissimulées sur le jeux vidéo et le fantaisie. Encore une fois le tout est très bien animé et surtout très vivant et dynamique, un soin particulier a été donné afin de rendre chaque scène, aussi anodine qu’elle aurait pu l’être, aussi fluide et belle que possible.

En réalité on ne peut faire que peu de reproches à ce court qui donne autant qu’il le promettait dans ses premières images. Visuellement très beau et avec presque aucuns éléments superflus, on a sans doute le poids lourd de cette saison de l’Anime Mirai édition 2012. Mon seul reproche viendrait d’un doute personnel, et je dis bien doute, de voir une telle réalisation sortir pour un projet de la sorte. Jusqu’à où va le mérite du réalisateur Yoh Yoshinari dans cette affaire ? J’ai tout espoir qu’il est le fier représentant de l’ensemble de ce court, au quel cas ce serait indéniablement un nouveau talent en tant que réalisateur qui aurait vu le jour, mais je garde cependant ce doute que le court n’est pas été un peu boosté artificiellement. Il faut dire que le studio Trigger, c’était pour l’instant, et c’est d’ailleurs presque toujours le cas, beaucoup de hype pour pas beaucoup de résultat vraiment concret. Et ce serait dommage qu’un épisode ayant pour but de se focaliser sur un réalisateur, finisse par n’être qu’une vitrine pour un studio. Bien qu’en fait ce soit déjà le cas …

Mable, le personnage le plus wtfesque du show

Mais de quoi que ça parle ? Gravity falls, c’est l’histoire de deux jumeaux de 12 ans, Mabel la fille excentrique et Dipper le gamin un peu blasé. Alors qu’ils sont enfin en vacances, leurs parents décident de les envoyer chez leur grand oncle Stan dans le trou perdu qu’est la ville de Gravity Falls. S’en suit alors une suite de péripéties où les deux jumeaux vont découvrir les mystères cachés dans cette ville, tandis que leur oncle cherchera pas tous les moyens d’escroquer tous les pauvres touristes rentrant dans son magasin, quitte à exploiter les deux gamins qu’il a sous la main.

Gravity Falls est l’une de ces séries américaines qui cherchent beaucoup à viser à la fois les petits et les grands, quelque chose qui revient assez dans leurs productions et qui est assez en décalage avec celles des autres pays. On a ainsi beaucoup de séries d’animation américaines tenant ce créneau, avec évidement les Simpsons ou bien Bob l’éponge carrée. Les séries d’animation françaises se cantonnant bien plus souvent aux enfants, sans chercher le plus souvent à s’approcher des adultes si ce n’est dans les quelques productions proposées sur le bon vieux ARTE.

Avec un format épisodique la série joue énormément sur ses différents personnages, Mabel est une perle dans le genre en optant une attitude complètement excentrique, se gavant de bonbon à la moindre occasion et vivant presque dans un monde parallèle. Il ne faut pas cacher que la série lui doit beaucoup (ou du moins à ses créateurs), car elle l’enrichit beaucoup à elle seule. De plus l’humour qui s’en dégage se décuple une fois que les scénaristes y instaurent un univers complètement délirant, passant d’une attaque de gnomes amoureux de Mable, au trip parfaitement suggestif de celle-ci après une indigestion de bonbon.

Bien que la série ne délaisse pas tellement son public jeunesse, il est clair qu’elle cherche par la même occasion à attirer les moins jeunes avec un humour bien plus adulte, le plus souvent à peine cacher. On en vient même parfois à se demander pour quel public elle cherche vraiment à plaire après certaines scènes, avant de se rappeler qu’elle passe tout de même sur Disney Channel. Car entre le trip sous acide après une overdose de bonbon, ou la référence immense que fait la série aux jeux d’arcade dans l’épisode 10, je cherche un peu où le gamin de 8 ans devant son post de télé y trouve vraiment son compte.

Par contre si vous avez au dessus de 16 et que vous êtes vacciné, n’hésitez pas alors à vous laissez tenter par un épisode. L’animation est vraiment très jolie et l’aspect cartoon devient génial quand il s’agit de déformer complètement les différents personnages (notamment Mabel) pour accentuer une scène, par exemple avec des yeux ébahis à outrance. Le panel de personnage n’est pas très grand mais est composé de membres tout aussi un sympas et wtf les uns des autres : Stan est un vrai gag à lui seul en étant le vieux rappia allant même jusqu’à faire dessiner des faux billets à Mabel et Dipper, Gideon le gamin star complètement dingue rêvant uniquement d’anéantir la famille de Mabel afin qu’elle devienne sa reine, ou encore Waddles le cochon qu’adoptera Mabel lors d’une foire.

Chaque épisode est individuel bien que la série tient compte tout de même d’une trame assez linéaire, chaque épisode se concentrant alors spécifiquement sur un mystère se cachant sous Gravity Falls, allant du fantôme aux minotaures dans une salle de muscu, mais aussi parfois dans la SF, bref un peu tout y passe. L’ensemble est ensuite mélangé à l’humour unique de la série et ses personnages, et généralement la sauce prend assez facilement. Ce qui est assez agréable car pour l’instant je trouve que la série arrive assez bien à se renouveler alors que le concept pouvait porter à croire que le contraire.

Pour l’instant la série est en cours de diffusion avec 15 épisodes sur 21, mais c’est déjà une très bonne surprise qui mérite d’être un peu plus vue. Je ne sais pas si une seconde saison est prévue, je vois mal la série s’éterniser comme certaines mais il y a cependant largement encore de quoi faire. En attendant si vous avez l’occasion de regarder un épisode, je vous le conseille et personnellement j’attends la suite avec pas mal d’impatience.  : )

http://www.youtube.com/watch?v=uAvaThHyZ6s

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Ce soir je commence une petite série de review sur des films d’animation français et je débute avec une production sortie il y a pile un an : Zarafa. Je pensais que le film avait fait un petit flop mais en fait avec ses 1.3 millions d’entrées en 7 semaines chez nous, ce long métrage s’en sort en réalité plutôt bien si l’on reste dans les standards des productions françaises (mais qui sont un peu ridicules face aux résultats des studios américains qui avoisinent régulièrement les 6 millions d’entrées).

La particularité de ce film, ce sont ces deux réalisateurs qui ont fait leur marque dans deux milieux différents de la cinématographie, d’un coté l’on a Jean-Christophe Lie qui travaille dans l’animation, de l’autre coté Remi Bezançon est un réalisateur habitué à la prise de vue réelle. J’aime par ailleurs pas mal les films de ce réalisateur, pour des raisons qui sont en réalité très peu objectives car je concède tout de même pas mal de défauts à ses films, mais je dois avouer que j’attendais pas mal de voir ce qu’aller donner un film d’animation de sa patte.

Le spitch de Zarafa est assez simple : Maki est un jeu africain sous le joug d’esclavagistes présumés français, qui en s’enfuyant de son oppresseur va se retrouve à accompagner le destin d’une girafe, qui se verra offrir comme présent au roi de France afin de libérer la capitale Égyptienne assiégée. Et on attaque ici directement le plus gros problème de ce film : Le bien pensant du scénario Besançon et son manque de recul face à la réalité historique. Comprenez ici une chose : Les européens : Des cons méchants. Les Africains : Des pauvres au bon coeur. C’est un véritable problème car ça fait perdre ici tout crédibilité et donne plus l’impression d’un acharnement de bonne volonté, rendant la pilule difficile à digérer.

Prenons en exemple les esclavagistes français, dès les premières minutes Bezançon nous sert une ineptie en plongeant deux européens agressifs et violents à la chasse à l’africains. Cependant c’est déjà quelque chose de très peu probable, à cette époque les européens achetaient directement les esclaves dans des ports commerciaux, qui étaient eux enlevés par des arabes. A mais oué, des arabes qui enchaînent des africains, ça fait tâche.

Outre cet aspect là, j’ai aussi trouver que le film manquait de régularité et de véritables points d’accroches dans le récit. La majeure partie du scénario consiste à suivre le voyage de Maki au coeur de l’Europe sans véritables points d’attaches qui retiennent vraiment le spectateur, le tout est aussi terriblement « scripté » et on se rend vite compte de ce que sera l’ensemble de la teneur du scénario dès la première demi heure passée. Visuellement avec ses 150 00 dessins c’est assez jolie sans pourtant sortir des standards, là où des films comme Ernest et Célestine frappent bien mieux avec une patte visuelle bien plus spécifique. On sent beaucoup un aspect assez « Kirikou » qui vient peut-être du travail effectué par Jean-Christophe Lie sur la franchise. Par contre il faut avouer que le travail réalisé sur l’animation faciale est rudement bien menée, ce qui pourrait aussi être une caractéristique de l’approche cinématographique de Bezançon.

C’est donc une appréciation en demi-teinte que nous propose ce film, si l’ensemble du  long-métrage est loin d’être à jeter, il possède tout de même de gros défauts sur le fond pour représenter plus que ça. Il est peut-être trop infantilisé et la globalité du récit semble manquer de justesse et paraît tout de même que trop peu maîtrisé. Bezançon semble tout de même mieux maîtriser son cinéma en prise de vue réelle et bien que je regarderai sans aucun doute son autre film s’il retente l’expérience, je ne suis pas vraiment convaincu que ce soit la meilleur idée qu’il puisse avoir.